ESCULTURA

 JAPON

Hasta la introducción del budismo en el periodo Asuka, la escultura no había evolucionado; la religión shinto no requería escultura porque los kamis se hacían presentes en elementos de la naturaleza o en objetos manufacturados especiales.

En un principio, las esculturas búdicas son importadas pero pronto se pasará a la producción local. Se modifica en primer lugar la consideración social del artista, las técnicas, se introducen nuevos temas e iconografías y, por supuesto, se da una renovación formal. Bajo la influencia del continente es como se producen estos cambios:

·         Influencia mediante piezas importadas del continente (China, Corea) incluso también se importan piezas pictóricas.

·         Maestros y escultores, monjes que producirán obras en Japón.

·         Japoneses que habían ido al continente y regresan a su país adquiridas las nuevas formas.

3.1.1 La figura del escultor

Cambio en la consideración social del escultor. Antes, éste integraba los haji de trabajadores del barro (producción de vasijas, haniwa) y sus clientes principales eran los grandes señores del Japón. Esta situación cambia radicalmente. Con la Reforma Taika desciende la creación de Kofún, el budismo trae nuevas necesidades técnicas e iconográficas. Surge la figura del escultor (desvinculado del oficio ligado a la arcilla o del barro) los clientes son los templos. El escultor continua siendo considerado un artesano porque tiene que trabajar bajo la supervisión de los templos (debe ajustarse a unos cánones técnicos e iconográficos).

·         De los periodos Asuka, Hakuho y Nara apenas se conocen nombres. Durante los periodos Heian y Kamakura los artistas se independizan de los templos y se unen a los gremios.

Nuevas vias de formación. Surgen los centros oficiales de enseñanza, estrictamente reglamentados. Muchos de estos centros estaban mantenidos por la corte. El taller más importante es el Zo-Todai-ji . Estaban asociados a los templos.

3.1.2 Los materiales y las nuevas técnicas introducidas

Las técnicas de mayor relevancia son el bronce y la laca seca (la madera y la arcilla seca tendrán éxito más tarde)

·         El bronce (cobre, estaño y plomo). Se emplea una proporción más elevada de cobre (para mejor adherencia del oro). Se utilizó tanto en esculturas de pequeño como de mayor formato. Tiene éxito hasta finales del siglo VIII (cuando parece que las minas de bronce se agotaban y se pone de moda la madera). En los periodos Asuka, Hakuho y Nara las esculturas en madera intentaban reproducir las características del bronce; luego sucederá justo lo contrario.

   o    En esculturas de pequeño formato (imágenes devocionales) se utiliza una técnica parecida a la cera perdida: se moldeaba una imagen con cera que luego se cubría con barro. La pieza se cocía y entonces la cera se derretía y luego se introducía la aleación. Cuando ésta se enfriaba se eliminaba la capa de arcilla.

o    En las esculturas de gran formato se usa un armazón de madera que podía desmontarse y desplegarse. Sobre ese armazón se hacía la escultura base de arcilla (molde en positivo). Luego, se aplicaba una capa muy fina de cera (con el grosor deseado de bronce). Sobre esta capa de cera se volvía a realizar un molde de arcilla. Todo el conjunto con orificios. cción y la cera se derretía. Se vierte la aleación que ocupa el espacio de la cera. Se eliminan todas las capas (armazón, arcilla externa y molde interno de arcilla). Con esculturas muy grandes, se moldean con esta técnica diferentes piezas que luego se soldaban.

·    La laca seca (Kanshitsu) procedía de China, cuenta con precedentes en el periodo Asuka. Era un técnica extraordinariamente cara (utiliza laca). La gran ventaja de su utilización residía en la versatilidad de formas (como un moldeado).Además, permitía realizar piezas de gran tamaño pero de poco peso.

    Laca seca con alma de madera: una base maciza de madera donde se esbozan los rasgos de la escultura. Se añade sobre esta base telas de cáñamo impregnadas de laca, Antes de que se secara la laca se moldea. Luego, se deja secar y se da un acabado. Se realizaba para imágenes de pequeño formato.

o    Laca seca sin alma de madera: se fabrica un armazón de madera (se puede dar volumen con paja), luego se pone una capa de arcilla con las formas básicas. Sobre ese molde se aplica tela de cáñamo impregnada de laca. Antes de que secara la laca se moldea. Se elimina el armazón de madera, se podía eliminar la base de arcilla, pero en la mayoría de los casos se deja la arcilla.

También se utiliza la laca sobre escultura de madera para realizar los drapeados de la tela (como técnica suplementaria). Siempre suele recibir policromía.

·         La madera. Es un material barato, y Japón posee una larga tradición de trabajo en la madera (hinoki, cerezo). Se distinguen dos técnicas:

o    Técnica de bloque único (Ichiboku zukuri) Aplicada en los periodos Asuka, Hakuho y Nara. Se talla sobre un bloque único de madera. No permite hacer piezas de tamaño muy grande porque sus dimensiones se ven limitadas a las del trozo de madera original. Puede presentar problemas de resquebrajamiento de la pieza. Eran obras que ejecutaba un único artista.

o    Técnica de ensamblaje de piezas (Yosegi zukuri). Aparece en el siglo X. La pieza se hacía con distintos bloques que luego se unen. Permiten hacer imágenes de gran tamaño, las piezas se pueden hacer huecos, mayor flexibilidad, se hacían a gran velocidad (cada especialista se dedicaba a un rasgo en concreto). Se unen por ensamblaje. Las uniones se disimulaban con laca seca, policromía, dorado.

·         Los acabados de las imágenes. Cuando tenía una madera de extraordinaria belleza no había policromía pero lo normal era que recibieran un acabado. Elementos comunes:

·         Policromía: por medio de laca en la que se diluían pigmentos en agua y cola de arroz.

·         Dorado: el acabado más caro. 3 técnicas:

·         Consiste en aplicar finas capas de oro que se adhieran por medio de laca o cola.

·         Para un resultado menos perfecto y duradero: se mezcla laca con polvo de oro y se aplica con pincel por toda la superficie.

·         Las imágenes de bronce recibían fundamentalmente dorado por una técnica especial: Tokin. Consiste en aplicar una mezcla de mercurio y oro por toda la superficie externa en sucesivas capas. Para eliminar el mercurio se quemaba con carbón vegetal. El problema de esta técnica reside en que requiere costaba mucho tiempo y esfuerzo (5 años). Cuando se quema el mercurio se producían unos gases tóxicos.

3.1.3 Temas e iconografías

o    Tipos de escultura según temas:

§  Escultura budista generalmente de bulto redondo. Todas las figuras de veneración del budismo

§  Escultura de retrato de personajes religiosos. Solo mojes retratados a su muerte.

§  Inicios de una escultura ligada al shintoismo. No ha quedado nada pero en el periodo Nara comenzó a realizarse una iconografía shintoista.

o    Aspectos iconográficos. La introducción de la iconografía budista

3.2 Renovación formal de la escultura de los periodos Asuka, Hakuho y Nara

3.2.1 La escultura del periodo Asuka y su vinculación con la escultura de China (época de los Tres Reinos y Seís Dinastías) y de Corea.

·         Primera tendencia del periodo: La producción de Tori Bussi y la influencia de la estatuaria en la China de los Wei.

·         Datos biográficos de Tori. Autor singular (hasta que se conoce su nombre). Se conocen algunos datos de su biografía: procede de una familia coreana que a su vez estaba vinculada con China. Emigró a Japón su abuelo Shiba Tatto, del gremio de los talabarderos (guardicioneros o curtidores). Tatsuna, el padre de Shiba Tatto, se hizo monje budista. Allí también hizo esculturas pero de madera. De lo que deducimos que Shiba Tatto estaba formado en el trabajo de una gran variedad de materiales, en el budismo, y poseía conocimientos procedentes del continente.

I     INDIA

        Las primeras esculturas en la India datan de la época de la Cultura del valle del Indo (c. 3300 a. C. hasta c. 1300 a. C.), de la cual se han hallado objetos de bronce y roca tallada, que de hecho, se hallan dentro de las esculturas más antiguas del mundo. En épocas posteriores, tan pronto como se desarrollaron el Hinduismo, el Budismo y elJainismo, India produjo algunas de las muestras escultóricas en bronce más elaboradas, así como insuperables obras talladas en sus templos. Algunos santuarios, como el encontrado en Ellora no fueron construidos usando bloques, sino que en su lugar se excavó y esculpió directamente sobre la roca, convirtiéndose quizás, en parte de las esculturas más grandes y complejas conocidas.Durante los siglos primero y segundo a.C. en la parte más septentrional de la India, en lo que es ahora el sur de Afganistán y el norte de Pakistán, las esculturas se tornaron más explícitas, representando episodios de la vida de Buda y sus enseñanzas. Aunque la India conservaba una larga tradición escultórica y un rico dominio de la iconografía,Buda nunca fue representado en su forma humana antes de esta época, sino solamente a través de símbolos. Esto puede ser porque la escultura de los budistas de Gandharaen la moderna Afganistán muestra una influencia artística de los griegos y persas. Artísticamente hablando, de la escuela de escultura de Gandhara se dice que ha contribuido el cabello ondulado, el ropaje que cubre ambos hombros, zapatos y sandalias, ornamentos de hojas de acanto, etc.

   CHINA

       La escultura china tiene origen milenario, pero a diferencia del resto de las artes (sobre todo en el arte de la pintura y la literatura) poco se sabe sobre los autores de las grandes esculturas que hoy en día yacen a lo largo de todo China. Esto se debe a que los escultores eran considerados de clase muy inferior, y por este motivo no eran mencionados en los libros y documentos históricos.

      Las esculturas chinas por lo general se relacionaban con la religión y los próceres tanto verdaderos como ficticios, encontrándose en su gran mayoría dentro de templos budistas y taoístas y como también se manifestaban coronando los mausoleos. Una característica típica de las esculturas chinas, es la enfatización de las vestiduras de los personajes, marcando una gran diferencia con respecto a la escultura tradicional occidental. Los mejores ejemplos se encuentran en las grutas de Longmen, Yungang, y Dazu.

      A lo largo de todo el país se pueden apreciar numerosas esculturas de Buda, reflejando las fuertes influencias provenientes del Tíbet  y la India . Éstos poseen rasgos finos, con miradas distantes y misteriosas, otorgándoles mas misticismo a la obra. Pero a lo largo del tiempo, sus características fueron cambiando, siendo mas influenciadas por el arte chino, a partir de los siglos VII y VIII, donde comienzan a aparecer esculturas de budas con mayor expresión, alegría y reales, con líneas mas curvas y formas blandas.

      Sin duda alguna, las esculturas chinas mas conocidas en todo el mundo, son las que se encuentran en Xi´an, más conocidas como los soldados de terracota de la dinastía Qin.

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PINTURA

JAPON
La pintura en Japón tiene su inicio posiblemente durante el período prehistórico japonés. Algunos diseños geométricos y figuras simples se pueden encontrar trazadas sobre la cerámica neolítica del período Jōmon y en las campanas de bronce o dōtaku del período Yayoi (300 a. C. – 300 d.C.).^2 3 También se han descubierto pinturas murales con diseños geométricos y figurativos en numerosos túmulospertenecientes al período Kofun (300 d.C.-700 d.C.).⁴

Con la influencia de la cultura China en Japón durante el período Asuka, especialmente la introducción del sistema de escritura kanji, el sistema de administración gubernamental, y el budismo, muchas de las obras de arte eran importadas al Japón desde China y Corea, motivando la producción de copias locales muy similares al estilo pictórico del Este de Asia.⁵

^{PERIODO NARA}

Las pinturas más antiguas que aún sobreviven de este período incluyen los murales sobre las paredes del templo de Hōryū-ji en Ikaruga, prefectura de Nara; en las cuales se ilustran episodios de la vida de Buda, de los bodhisattva, y de otras deidades menores.^7 8 El estilo guarda semejanza con la pintura china de la dinastía Suicorrespondiente a la época de los Dieciséis Reinos. Sin embargo, a mediados del período Nara, se volvieron populares pinturas bajo el estilo de la Dinastía Tang. Entre estas también se incluyen los murales de la tumba Takamatsuzuka, que fueron realizados alrededor del año 700 a. C., y en los cuales están representados cortesanos con togas y símbolos de la astrología china como el dragón (Seiryū), la serpiente o tortuga (Genbu), el tigre (Byakko) y el fénix bermellón (Suzaku).⁹ Éste estilo en particular evolucionó en el género (Kara-e) el cual permaneció en auge durante el inicio del período Heian.¹⁰

PERIODOS HEIAN Y KAMAKURA

Con el desarrollo de la sectas budistas esotéricas de Shingon y Tendaishū en los siglos VIII y IX en Japón, la imaginería religiosa, especialmente las pinturas o representaciones de Mándala se volvieron predominantes. Numerosas versiones de Mándala, en particular el mándala del Mundo del Diamante y el Mándala del Útero fueroncreados como pergaminos colgantes, y también como murales para las paredes de los templos.⁴ Un célebre ejemplo antiguo conocido como el Mándala de los dos Mundos se encuentra en la pagoda Daigo-ji, que es un edificio religioso que posee cinco niveles de altura y está ubicado al sur de Kioto.¹³ En particular, el Mándala de los dos Mundos está compuesto por dos pergaminos decorados con pinturas del período Heian; sin embargo, hoy en día algunos de los detalles pictóricos pueden visualizarse parcialmente, ya que se han desgastado por la abrasión y el paso del tiempo.

ntinua evolución del budismo japonés hacia el budismo de Tierra Pura de la secta Jōdō durante el siglo X, un importante nuevo género fue añadido, denominado raigozu, en el cual se representaba a Buda Amitābha dando la bienvenida a las almas de los fieles a su paraíso occidental.

PERIODO MUROMA

Durante el siglo XIV el desarrollo de los monasterios zen en las ciudades de Kamakura y Kioto tuvo un gran impacto sobre las artes visuales. Un austero y monocromático estilo de pintura en tinta llamado Sumi-e fue introducido en Japón a través de la influencia de las dinastías chinas Song y Yuan, reemplazando los pergaminos polícromos del período anterior.

 Los artistas más destacados del período Muromachi fueron los pintores-sacerdotes Shubun y Sesshu. Shubun fue un monje del templo Shōkoku-ji en Kioto, y el pintor del paisaje realista titulado Leyendo en un bosque de bambú, en el cual se vislumbra un profundo retroceso de la perspectiva espacial.²⁴ Sesshu, al contrario del resto de artistas del mismo período, tuvo la oportunidad de viajar a China y estudiar las técnicas y conceptos de la pintura directamente desde su fuente de origen.

PERIODOS AZUCHI Y MOMOYAMA

En contraste con el período Muromachi, el período Azuchi-Momoyama estuvo caracterizado por el empleo de un estilo policromo, también por un considerable uso de láminas de plata y oro, y por la preferencia de obras pictóricas en formatos a gran escala. La escuela Kanō, que estaba patrocinada por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu y sus seguidores, adquirió prestigio y se expandió tremendamente. Kanō Eitoku desarrolló una fórmula para la creación de paisajes monumentales sobre puertas corredizas, paredes, mamparas y biombos. Estas grandes pantallas y pinturas murales eran generalmente comisionadas para que decorasen los interiores de castillos y palacios de la nobleza militar. Los temas predilectos entre los artistas eran las flores y los pájaros, debido a que facilitaban la labor de rellenar espacios de gran envergadura. Cabe mencionar que muchas de las obras de este período decoraron las paredes y paneles del Castillo Azuchi, y que en su mayoría fueron comisionadas a Eitoku bajo las órdenes de Oda Nobunaga. Sin embargo después del asesinato de Nobunaga en 1582, el castillo fue destruido e incendiado totalmente para que ninguno de sus enemigos lo ocupasen. En consecuencia, ninguno de los trabajos artísticos sobrevivió y sólo quedan algunos relatos descriptivos de la escuela Kanō que narran el aspecto físico de estos.

PERIODO EDO

Muchos historiadores han sugerido que el período Edo es una continuación del período Azuchi-Momoyama. Ciertamente, a principios del período Edo, muchas de las tendencias anteriores de la pintura continuaron siendo populares; sin embargo, también surgieron nuevos estilos.

Una de las academias pictóricas más significativas que floreció a principios del período Edo fue la Escuela Rinpa, la cual se centraba en los temas clásicos, presentándolos en un formato llamativo y magníficamente decorado. En particular, el artista Tawaraya Sōtatsu permitió la evolución del estilo decorativo a través de la recreación de temas derivados de la literatura clásica, en los que empleó figuras y motivos del mundo natural en tonalidades coloridas en contraposición de fondos recubiertos por láminas de oro. Un siglo después, Ogata Kōrin reutilizó el estilo de Sōtatsu, generando obras únicas y con amplia riqueza visual. Cabe mencionar queHonami Kōetsu, quien también uno de los fundadores de la escuela pictórica Rinpa, promovió el renacimiento del estilo tradicionalista japonés Yamato-e y de las percepciones aristocráticas de los últimos años del período Heian. Sus ideales artísticos fueron plasmados fundamentalmente en sus obras de caligrafía, las cuales generalmente eran ejecutadas sobre las pinturas en tinta realizadas por su amigo cercano Sōtatsu.

Otro importante generó artístico que tuvo su inicio en la época Azuchi-Momoyama, pero que llegó a su desarrollo máximo a principios de período Edo fue el arte Namban. Éste estilo mantenía un énfasis en la llegada de los europeos a Japón, en especial de los portugueses y su nueva cultura. De esta manera, el arte Namban se enfocó en la representación de las diferencias de comportamiento y costumbres de los europeos, especialmente la ilustración de barcos occidentales, y objetos inusuales dentro de la cultura japonesa. Asimismo, este género se centró en el puerto de Nagasaki, el cual fue el único puerto abierto al comercio internacional después de que se emitiese lapolítica de aislamiento nacional durante el régimen del Shogunato Tokugawa, y por tanto era el conducto por el cual ingresaban las influencias artísticas chinas y europeas. El inicio de este género pictórico coincidió con el establecimiento de la orden jesuita en Japón, la cual tenía la intención de catequizar a la población. Este hecho impulsó la creación de pinturas religiosas, muchas de ellas basadas en obras occidentales existentes, pero que en su mayoría fueron destruidas durante lapersecución de cristianos en Japón. Con el transcurso del tiempo florecerían la escuela Nagasaki y la escuela Maruyama-Shijō, las cuales combinaban las influencias chinas y occidentales con los elementos tradicionales de la cultura japonesa

Una tercera tendencia importante durante el período Edo fue el surgimiento del género artístico Bunjinga (pintura letrada), también conocida como la Escuela Nanga(Pintura del sur).Inicialmente el estilo se fundamentó en la imitación de las obras pertenecientes a los eruditos y aficionados pintores chinos de la dinastía Yuan, cuyos trabajos conjuntamente con sus técnicas artísticas habían sido exportados al Japón a mediados del siglo XVIII. Posteriormente los artistas buninja modificaron considerablemente las técnicas y la temática de este género artístico con el objetivo de crear una combinación entre los estilos de pintura chino y japonés. Algunos artistas ejemplares del movimiento artístico buninja son: Ike no Taiga, Uragami Gyokudo, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Buncho y Yamamoto Baiitsu. En el caso particular de Yosa Buson, aparte de haber sido un pintor nanga, también fue un poeta haiku, que se distinguió en la elaboración de pinturas con el propósito de que acompañasen sus composiciones poéticas en un estilo de pictórico conocido como haiga, y que consistía en el uso de pinceladas simples en tonalidades monocromáticas.

PERIODO MEIJI

Durante la Era Meiji, Japón sufrió un tremendo cambio político y social durante el proceso de campaña de occidentalización y modernización dirigida por el nuevogobierno Meiji. El período Meiji estuvo marcado por la división del arte en los correspondientes estilos occidentales y estilos indígenas tradicionales.

El estilo occidental de pintura llamado (Yōga) fue oficialmente promovido por el gobierno, el cual envió a prometedores jóvenes artistas a que realizasen sus estudios en el exterior, y contrató artistas extranjeros para que estableciesen un currículo de arte en las escuelas japonesas.

Sin embargo, después de un favoritismo inicial por el estilo de arte occidental, el péndulo se balanceó en dirección opuesta, y hubo un movimiento dirigido por el crítico de arte Okakura Kakuzō y por el educador Ernest Fenollosa que suscitó el renacimiento y la apreciación de los estilos artísticos tradicionales de Japón (Nihonga). En1880, el arte de estilo occidental fue prohibido en las exhibiciones oficiales y fue severamente criticado por los críticos. Con el apoyo de Okakura y Fenollosa, el estiloNihonga evolucionó con varias influencias del movimiento europeo Prerrafaelita y del Romanticismo.

INDIA

La pintura de la India es una forma de arte de la India. Las primeras pinturas de la India fueron las pinturas sobre roca realizadas en épocas pre-históricas,petroglifos tales como los que se observan en Bhimbetka, algunos de ellos se remontan a antes del 5500 a C. Tales obras continuaron en el tiempo por varios milenios, luego en el siglo VII los pilares tallados de Ellora, en el estado de Maharashtra es un muy buen ejemplo de pintura de la India, sus colores, principalmente tonos de rojo y naranja, se consiguieron a partir de pigmentos minerales. Algo posteriores son los frescos de las cuevas de Ajanta y Cueva de Ellora. Además, la literatura budista de la India posee una gran abundancia de textos que describen que los palacios de reyes y de las clases aristocráticas estaban decorados con pinturas, pero lamentablemente los mismos no han sobrevivido hasta nuestros días. Pero, basados en esta evidencia se piensa que alguna forma de arte era practicada por estas épocas.

Las pinturas de la India poseen un continuo estético que se extiende desde las primeras civilizaciones hasta nuestros días. En sus comienzos su naturaleza era esencialmente religiosa, pero luego la pintura de la India evolucionó a través de los años para convertirse en una fusión de varias culturas y tradiciones. La pintura de la India ha estado expuesta a influencias greco-romanas, iraníes y chinas. Las pinturas en cavernas que se observan en distintas partes de la India son un testimonio de estas influencias y la evolución continua de nuevos idiomas pictóricos es evidente.

PINTURA INDIA SADANGA

Hacia el siglo I a.C. evolucionaron las pinturas indias Sadanga o Seis Miembros, en una serie de cánones que fijaron los principios principales del arte. Vatsyayana, que vivió durante el siglo III, las enumera en su Kamasutra habiéndolas tomado a su vez de obras más antiguas.

Estos 'Seis Miembros' han sido traducido como:

1.    Rupabheda - El conocimiento de las apariencias.

2.    Pramanam - Percepción, medida y estructura.

3.    Bhava - Acción de los sentimientos en las formas.

4.    Lavanya Yojanam - Infusión de gracia, representación artística.

5.    Sadrisyam - Similitud.

6.    Varnikabhanga - Forma artística de utilizar el pincel y los colores. (Tagore.)

El desarrollo subsecuente de la pintura por parte de los budistas indica que los ' Seis Miembros ' fueron puestos en práctica por los artistas Indios, y son los principios básicos sobre los cuales se construyó el arte.

GENEROS DE LA PINTURA INDIA

La pintura de la India puede ser clasificada a grandes rasgos en murales y miniaturas. Los murales son grandes obras ejecutadas sobre muros de estructuras sólidas, tales como en las cavernas de Ajanta t el templo de Kailashnath. Las pinturas miniaturas son producidas en una escala muy pequeña sobre material perecedero tal como papel o tela. Los Palas de Bengala fueron los pioneros en el arte de las miniaturas en la India. El arte de la pintura miniatura alcanzó su apogéo durante el período Mughal. La tradición de las pinturas miniaturas fue continuada y desarrollada por los pintores de diversas escuelas de Rajasthani tales como Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar y Mewar. Las pinturas de Ragamala también pertenecen a esta escuela.

El arte indio moderno ha presenciado el crecimiento de la Escuela de Arte de Bengala en la década de 1930 continuando con numerosas formas de experimentación con estilos europeos e indios. Luego de la independencia de la India, se desarrollaron numerosos nuevos géneros de arte de la mano de artistas importantes como Jamini Roy, MF Husain, FN Souza, y Gaitonde. Con el progreso de la economia las formas y estilos de arte también pasaron por muchos cambios. En la década de 1990, la economía India fue liberalizada y se integró a la economía mundial lo que condujo a un flujo amplio de información cultural hacia y desde la India. En este período emergió el pseudorealismo como un nuevo género de arte contemporaneo indio.

CHINA

La pintura china clásica se denomina, en chino: 中国画 zhōngguó huà, pintura china, o 国画 guó huà, pintura del país, en oposición a la pintura china de inspiración occidental aparecida en el siglo XIX. Se puede considerar como una rama autónoma de la caligrafía china de la que partió, fundada sobre los cuatro tesoros de la escritura: (pinceles, tinta, tintero y papel), pinceles chinos, barrita para la tinta, piedra de tinta (para moler la piedra de tinta y mezclarla con agua) y el papel de arroz.Tiene diferencias con otros géneros de pintura china, por ejemplo, la pintura de frescos budistas de las cuevas de Dunhuang.

La pintura china clásica está constituida por un conjunto de estilos típicos del Extremo Oriente que tienen su origen en las técnicas pictóricas que se pueden encontrar en la pintura de Corea y Japón..

CLASIFICACION DE LA PINTURACHINA

Según el contenido

 §  pinturas de flores y pájaros (花鸟画 huā niǎo huà)

 §      pinturas de paisajes (山水画 shān shuǐ huà)

 §  retratos (人物画 rén wù huà)

§   animagel

Según la técnica

 §  Pintura con atención fina al detalle （工笔 Gong Bi）

 §  Pintura de pincelada rápida （写意 Xié Yì）

 §  Pintura con tinta china negra （水墨 Shui Mo）

HISTORIA DE LA PINTURA CHINA

La pintura china clásica aparece en torno al siglo III a.C., pero no sería hasta el siglo I a.C. cuando la técnica se plasmara sobre papel, a partir del desarrollo de la caligrafía china y el papel de arroz.

La pintura de paisajes constituye el género más “noble” de la pintura china clásica, a través de ella se transmiten las concepciones micro- y macro-cósmicas chinas del universo. No es un arte figurativo que se haya modelado después, sino el resultado del sentimiento experimentado por el pintor que, tras la contemplación del paisaje, lo plasma en la pintura.

En el caso de la pintura de paisajes “montaña y agua”, la armonía de los elementos yin - yang, el juego de las condiciones atmosféricas, de los estratos geológicos, de las texturas informes en blanco y negro tienen, como fundamento, una apropiación expresionista de la naturaleza muy alejada de la mimesis o imitación exacta, como sucede con la estética occidental.

La concepción confucionista del mundo se refleja, asimismo, en la pintura de paisajes en los que las figuras o las construcciones humanas aparecen de forma muy reducida, situadas en un marco cosmológico completo.

Únicamente en las pinturas cuyo objeto central son los vegetales, los animales, o los seres humanos se introduce el color en la pintura: el tema de los letrados meditando o reunidos (por ejemplo los Siete sabios en un bosque de bambú), o de santos, son los temas particulares de estas pinturas. Algunos pintores se especializaron en un tema concreto: caballos, (徐悲鸿 Xu Beihong), bambús, incluso gambas.

Fue mucho más tarde cuando los poemas o epitafios se añadieron directamente sobre las pinturas, especialmente en los paisajes. Las obras más célebres se caracterizan, asimismo, por el número de sellos en tinta roja que designa la lista de los emperadores que se encontraba en la colección imperial, la mayor parte de ellos están, actualmente, en el Museo Nacional de Taipéi (Taiwán), tras el exilio del partido Kuomintang.

La representación del espacio en la pintura china,, que rechaza la perpectiva del punto de fuga, ha adoptado, en algunas ocasiones, y en los últimos siglos, las representaciones del espacio trigonométrico, especialmente cuando se trata de pintar pueblos o ciudades.

Pintores  (古代 GǔDài)

§  Zhāng Zé Duān Sòng Huī Zōng 张择端宋徽宗

§  Táng Bó Hǔ 唐伯虎（Dinastía Ming, 明代 míng dài）

§  Sòng Huī Zōng 宋徽宗（Dinastía Song, 宋代 sòng dài）

§  Zhū Dā 朱耷, conocido como Bā Dà Shān Rén 八大山人（Dinastía Ming, 明代 míng dài）

§  Chóu Yīng 仇英（Dinastía Ming, 明代 Míng Dài）

§  Ní Zàn 倪瓒（Dinastía Yuan, 元代 Yuán Dài）

§  Shitao 石濤 (Dinastía Qing)

 §  Qí Bái Shí 齐白石'

§  Xú Bēi Hóng 徐悲鸿'

§  Zhāng Dà Qiān 张大千

§  Yú Fēi Àn 于非闇

§  Fù Bào Dàn 傅抱石

§  Lí Xióngcái 黎 雄才

§  Lu Yanshao 陆俨少

§  Lin Feng Mian

§  Wang MeiFang王美芳

§  Wang Shiyan 王时焰

§  Qu Qianmei 瞿倩梅