La pintura en Japón tiene su
inicio posiblemente durante el período
prehistórico japonés. Algunos diseños geométricos y figuras simples se pueden
encontrar trazadas sobre la cerámica neolítica del período Jōmon y en las
campanas de bronce o dōtaku del período
Yayoi (300 a.
C. – 300 d.C.).2 3 También se han descubierto pinturas murales
con diseños geométricos y figurativos en numerosos túmulospertenecientes al período
Kofun (300
d.C.-700 d.C.).4
Con la influencia de la cultura
China en Japón durante el período
Asuka, especialmente la introducción del sistema de escritura kanji,
el sistema de administración gubernamental, y el budismo, muchas
de las obras de arte eran importadas al Japón desde China y Corea,
motivando la producción de copias locales muy similares al estilo pictórico del Este de
Asia.5
PERIODO NARA
Los
artistas más destacados del período Muromachi fueron los pintores-sacerdotes Shubun y Sesshu. Shubun fue un monje del templo Shōkoku-ji en Kioto, y el pintor
del paisaje realista titulado Leyendo
en un bosque de bambú, en el cual se vislumbra un profundo retroceso de la
perspectiva espacial.24 Sesshu, al contrario del
resto de artistas del mismo período, tuvo la oportunidad de viajar a China y
estudiar las técnicas y conceptos de la pintura directamente desde su fuente de origen.
PERIODOS AZUCHI Y MOMOYAMA
En contraste con el período
Muromachi, el período Azuchi-Momoyama estuvo caracterizado por el empleo de un
estilo policromo, también por un considerable uso de láminas de plata y oro, y por la
preferencia de obras pictóricas en formatos a gran escala. La escuela
Kanō, que estaba patrocinada por Oda
Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu y sus seguidores, adquirió prestigio y
se expandió tremendamente. Kanō Eitoku desarrolló una fórmula para la
creación de paisajes monumentales sobre puertas corredizas, paredes, mamparas y
biombos. Estas grandes pantallas y pinturas murales eran generalmente
comisionadas para que decorasen los interiores de castillos y palacios de la
nobleza militar. Los temas predilectos entre los artistas eran las flores y los
pájaros, debido a que facilitaban la labor de rellenar espacios de gran
envergadura. Cabe mencionar que muchas de las obras de este período decoraron
las paredes y paneles del Castillo
Azuchi, y que en su mayoría fueron comisionadas a Eitoku bajo las
órdenes de Oda Nobunaga. Sin embargo después del asesinato de Nobunaga en 1582, el
castillo fue destruido e incendiado totalmente para que ninguno de sus enemigos
lo ocupasen. En consecuencia, ninguno de los trabajos artísticos sobrevivió y
sólo quedan algunos relatos descriptivos de la escuela Kanō que narran el
aspecto físico de estos.
PERIODO EDO
Otro importante generó artístico que tuvo su inicio en la época Azuchi-Momoyama, pero que llegó a su desarrollo máximo a principios de período Edo fue el arte Namban. Éste estilo mantenía un énfasis en la llegada de los europeos a Japón, en especial de los portugueses y su nueva cultura. De esta manera, el arte Namban se enfocó en la representación de las diferencias de comportamiento y costumbres de los europeos, especialmente la ilustración de barcos occidentales, y objetos inusuales dentro de la cultura japonesa. Asimismo, este género se centró en el puerto de Nagasaki, el cual fue el único puerto abierto al comercio internacional después de que se emitiese lapolítica de aislamiento nacional durante el régimen del Shogunato Tokugawa, y por tanto era el conducto por el cual ingresaban las influencias artísticas chinas y europeas. El inicio de este género pictórico coincidió con el establecimiento de la orden jesuita en Japón, la cual tenía la intención de catequizar a la población. Este hecho impulsó la creación de pinturas religiosas, muchas de ellas basadas en obras occidentales existentes, pero que en su mayoría fueron destruidas durante lapersecución de cristianos en Japón. Con el transcurso del tiempo florecerían la escuela Nagasaki y la escuela Maruyama-Shijō, las cuales combinaban las influencias chinas y occidentales con los elementos tradicionales de la cultura japonesa
Una tercera tendencia importante durante el período
Edo fue el surgimiento del género artístico Bunjinga (pintura letrada), también conocida
como la Escuela Nanga(Pintura del sur).Inicialmente
el estilo se fundamentó en la imitación de las obras pertenecientes a los
eruditos y aficionados pintores chinos de la dinastía Yuan, cuyos trabajos conjuntamente con sus técnicas
artísticas habían sido exportados al Japón a mediados del siglo XVIII. Posteriormente los artistas buninja modificaron considerablemente las
técnicas y la temática de este género artístico con el objetivo de crear una
combinación entre los estilos de pintura chino y japonés. Algunos artistas
ejemplares del movimiento artístico buninja son: Ike no
Taiga, Uragami
Gyokudo, Yosa Buson, Tanomura
Chikuden, Tani Buncho y Yamamoto
Baiitsu. En el caso particular de Yosa Buson, aparte de haber sido
un pintor nanga, también fue un poeta haiku,
que se distinguió en la elaboración de pinturas con el propósito de que
acompañasen sus composiciones poéticas en un estilo de pictórico conocido como haiga, y
que consistía en el uso de pinceladas simples en tonalidades monocromáticas.
PERIODO MEIJI
Durante la Era
Meiji, Japón sufrió un tremendo cambio político y social durante el
proceso de campaña de occidentalización y modernización dirigida por el nuevogobierno Meiji. El
período Meiji estuvo marcado por la división del arte en los correspondientes
estilos occidentales y estilos indígenas tradicionales.
La pintura de la India es una forma de arte de la India. Las primeras pinturas de la India fueron las pinturas sobre roca
realizadas en épocas pre-históricas,petroglifos tales
como los que se observan en Bhimbetka,
algunos de ellos se remontan a antes del 5500 a C. Tales obras continuaron en
el tiempo por varios milenios, luego en el siglo VII los pilares tallados de Ellora,
en el estado de Maharashtra es
un muy buen ejemplo de pintura de la India, sus colores, principalmente tonos
de rojo y naranja, se consiguieron a partir de pigmentos minerales. Algo posteriores
son los frescos de las cuevas de Ajanta y Cueva de Ellora.
Además, la literatura budista de la India posee una gran abundancia
de textos que describen que los palacios de reyes y de las clases
aristocráticas estaban decorados con pinturas, pero lamentablemente los mismos
no han sobrevivido hasta nuestros días. Pero, basados en esta evidencia se
piensa que alguna forma de arte era practicada por estas épocas.
1.
Rupabheda - El conocimiento de las apariencias.
La pintura de la India puede ser
clasificada a grandes rasgos en murales y miniaturas. Los murales son grandes
obras ejecutadas sobre muros de estructuras sólidas, tales como en las cavernas
de Ajanta t el templo de Kailashnath. Las
pinturas miniaturas son producidas en una escala muy pequeña sobre material
perecedero tal como papel o tela. Los Palas de Bengala fueron los pioneros en el arte de las
miniaturas en la India. El arte de la pintura miniatura alcanzó su apogéo
durante el período Mughal. La tradición de las pinturas miniaturas fue
continuada y desarrollada por los pintores de diversas escuelas de Rajasthani
tales como Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar y Mewar. Las pinturas de Ragamala
también pertenecen a esta escuela.
CHINA
CLASIFICACION DE LA PINTURACHINA
Según el contenido
§ pinturas
de flores y pájaros (花鸟画 huā niǎo
huà)
Según la
técnica
HISTORIA DE LA PINTURA CHINA
La concepción confucionista del mundo se refleja, asimismo, en la
pintura de paisajes en los que las figuras o las construcciones humanas
aparecen de forma muy reducida, situadas en un marco cosmológico completo.
Pintores (古代 GǔDài)
§ Ní Zàn 倪瓒（Dinastía Yuan, 元代 Yuán Dài）
Las pinturas más antiguas que aún
sobreviven de este período incluyen los murales sobre las paredes del templo de Hōryū-ji en Ikaruga, prefectura de Nara; en las cuales se ilustran
episodios de la vida de Buda, de los bodhisattva, y de otras deidades menores.7 8 El estilo guarda semejanza con la pintura
china de la dinastía
Suicorrespondiente a la época de los Dieciséis Reinos. Sin embargo, a mediados del
período Nara, se volvieron populares pinturas bajo el estilo de la Dinastía
Tang. Entre estas también se incluyen los murales de la tumba Takamatsuzuka, que
fueron realizados alrededor del año 700 a.
C., y en los cuales están representados cortesanos con togas y
símbolos de la astrología china como el
dragón (Seiryū), la serpiente o tortuga (Genbu),
el tigre (Byakko) y el fénix bermellón (Suzaku).9 Éste estilo en particular evolucionó en el
género (Kara-e) el cual permaneció en
auge durante el inicio del período
Heian.10
PERIODOS HEIAN Y KAMAKURA
Con el desarrollo de la sectas budistas esotéricas
de Shingon y Tendaishū en
los siglos VIII y IX en Japón, la imaginería religiosa, especialmente las pinturas o
representaciones de Mándala se volvieron predominantes. Numerosas versiones de Mándala, en
particular el mándala del Mundo
del Diamante y el Mándala del Útero fueroncreados como pergaminos colgantes, y también como murales para las paredes de
los templos.4 Un célebre ejemplo antiguo conocido como el Mándala de los dos Mundos se encuentra en la pagoda Daigo-ji, que es un edificio religioso que
posee cinco niveles de altura y está ubicado al sur de Kioto.13 En particular, el Mándala
de los dos Mundos está
compuesto por dos pergaminos decorados con pinturas del período Heian; sin
embargo, hoy en día algunos de los detalles pictóricos pueden visualizarse
parcialmente, ya que se han desgastado por la abrasión y el paso del tiempo.
ntinua evolución del budismo japonés hacia el budismo de Tierra Pura de la secta Jōdō durante el siglo X, un importante nuevo género fue añadido, denominado raigozu,
en el cual se representaba a Buda Amitābha dando la bienvenida a
las almas de los fieles a su paraíso occidental.
PERIODO MUROMA
Durante el siglo
XIV el
desarrollo de los monasterios zen en las ciudades de Kamakura y Kioto tuvo un gran impacto sobre las artes visuales. Un austero y
monocromático estilo de pintura en tinta llamado Sumi-e fue introducido en Japón a través de la influencia de las
dinastías chinas Song y Yuan,
reemplazando los pergaminos polícromos del período anterior.
Los
artistas más destacados del período Muromachi fueron los pintores-sacerdotes Shubun y Sesshu. Shubun fue un monje del templo Shōkoku-ji en Kioto, y el pintor
del paisaje realista titulado Leyendo
en un bosque de bambú, en el cual se vislumbra un profundo retroceso de la
perspectiva espacial.24 Sesshu, al contrario del
resto de artistas del mismo período, tuvo la oportunidad de viajar a China y
estudiar las técnicas y conceptos de la pintura directamente desde su fuente de origen.PERIODOS AZUCHI Y MOMOYAMA
En contraste con el período
Muromachi, el período Azuchi-Momoyama estuvo caracterizado por el empleo de un
estilo policromo, también por un considerable uso de láminas de plata y oro, y por la
preferencia de obras pictóricas en formatos a gran escala. La escuela
Kanō, que estaba patrocinada por Oda
Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu y sus seguidores, adquirió prestigio y
se expandió tremendamente. Kanō Eitoku desarrolló una fórmula para la
creación de paisajes monumentales sobre puertas corredizas, paredes, mamparas y
biombos. Estas grandes pantallas y pinturas murales eran generalmente
comisionadas para que decorasen los interiores de castillos y palacios de la
nobleza militar. Los temas predilectos entre los artistas eran las flores y los
pájaros, debido a que facilitaban la labor de rellenar espacios de gran
envergadura. Cabe mencionar que muchas de las obras de este período decoraron
las paredes y paneles del Castillo
Azuchi, y que en su mayoría fueron comisionadas a Eitoku bajo las
órdenes de Oda Nobunaga. Sin embargo después del asesinato de Nobunaga en 1582, el
castillo fue destruido e incendiado totalmente para que ninguno de sus enemigos
lo ocupasen. En consecuencia, ninguno de los trabajos artísticos sobrevivió y
sólo quedan algunos relatos descriptivos de la escuela Kanō que narran el
aspecto físico de estos.PERIODO EDO
Muchos historiadores han sugerido
que el período Edo es una continuación del período Azuchi-Momoyama.
Ciertamente, a principios del período Edo, muchas de las tendencias anteriores
de la pintura continuaron siendo populares; sin embargo, también surgieron
nuevos estilos.
Una de
las academias pictóricas más significativas que floreció a principios del
período Edo fue la Escuela Rinpa, la
cual se centraba en los temas clásicos, presentándolos en un formato llamativo
y magníficamente decorado. En particular, el artista Tawaraya Sōtatsu permitió la evolución del estilo
decorativo a través de la recreación de temas derivados de la literatura
clásica, en los que empleó figuras y motivos del mundo natural en tonalidades
coloridas en contraposición de fondos recubiertos por láminas de oro. Un siglo
después, Ogata Kōrin reutilizó
el estilo de Sōtatsu, generando obras únicas y con amplia riqueza visual. Cabe
mencionar queHonami Kōetsu, quien también uno de los fundadores de la
escuela pictórica Rinpa, promovió el renacimiento del estilo tradicionalista
japonés Yamato-e y
de las percepciones aristocráticas de los últimos años del período Heian. Sus
ideales artísticos fueron plasmados fundamentalmente en sus obras de
caligrafía, las cuales generalmente eran ejecutadas sobre las pinturas en tinta
realizadas por su amigo cercano Sōtatsu.Otro importante generó artístico que tuvo su inicio en la época Azuchi-Momoyama, pero que llegó a su desarrollo máximo a principios de período Edo fue el arte Namban. Éste estilo mantenía un énfasis en la llegada de los europeos a Japón, en especial de los portugueses y su nueva cultura. De esta manera, el arte Namban se enfocó en la representación de las diferencias de comportamiento y costumbres de los europeos, especialmente la ilustración de barcos occidentales, y objetos inusuales dentro de la cultura japonesa. Asimismo, este género se centró en el puerto de Nagasaki, el cual fue el único puerto abierto al comercio internacional después de que se emitiese lapolítica de aislamiento nacional durante el régimen del Shogunato Tokugawa, y por tanto era el conducto por el cual ingresaban las influencias artísticas chinas y europeas. El inicio de este género pictórico coincidió con el establecimiento de la orden jesuita en Japón, la cual tenía la intención de catequizar a la población. Este hecho impulsó la creación de pinturas religiosas, muchas de ellas basadas en obras occidentales existentes, pero que en su mayoría fueron destruidas durante lapersecución de cristianos en Japón. Con el transcurso del tiempo florecerían la escuela Nagasaki y la escuela Maruyama-Shijō, las cuales combinaban las influencias chinas y occidentales con los elementos tradicionales de la cultura japonesa
Una tercera tendencia importante durante el período
Edo fue el surgimiento del género artístico Bunjinga (pintura letrada), también conocida
como la Escuela Nanga(Pintura del sur).Inicialmente
el estilo se fundamentó en la imitación de las obras pertenecientes a los
eruditos y aficionados pintores chinos de la dinastía Yuan, cuyos trabajos conjuntamente con sus técnicas
artísticas habían sido exportados al Japón a mediados del siglo XVIII. Posteriormente los artistas buninja modificaron considerablemente las
técnicas y la temática de este género artístico con el objetivo de crear una
combinación entre los estilos de pintura chino y japonés. Algunos artistas
ejemplares del movimiento artístico buninja son: Ike no
Taiga, Uragami
Gyokudo, Yosa Buson, Tanomura
Chikuden, Tani Buncho y Yamamoto
Baiitsu. En el caso particular de Yosa Buson, aparte de haber sido
un pintor nanga, también fue un poeta haiku,
que se distinguió en la elaboración de pinturas con el propósito de que
acompañasen sus composiciones poéticas en un estilo de pictórico conocido como haiga, y
que consistía en el uso de pinceladas simples en tonalidades monocromáticas.
Durante la Era
Meiji, Japón sufrió un tremendo cambio político y social durante el
proceso de campaña de occidentalización y modernización dirigida por el nuevogobierno Meiji. El
período Meiji estuvo marcado por la división del arte en los correspondientes
estilos occidentales y estilos indígenas tradicionales.
El estilo occidental de pintura
llamado (Yōga)
fue oficialmente promovido por el gobierno, el cual envió a prometedores
jóvenes artistas a que realizasen sus estudios en el exterior, y contrató artistas extranjeros para que estableciesen un currículo de arte en las escuelas
japonesas.
Sin embargo, después de un
favoritismo inicial por el estilo de arte occidental, el péndulo se balanceó en
dirección opuesta, y hubo un movimiento dirigido por el crítico de arte Okakura Kakuzō y por el educador Ernest Fenollosa que suscitó el renacimiento y la
apreciación de los estilos artísticos tradicionales de Japón (Nihonga). En1880, el arte
de estilo occidental fue prohibido en las exhibiciones oficiales y fue
severamente criticado por los críticos. Con el apoyo de Okakura y Fenollosa, el
estiloNihonga evolucionó
con varias influencias del movimiento europeo Prerrafaelita y del Romanticismo.
INDIA
INDIA
La pintura de la India es una forma de arte de la India. Las primeras pinturas de la India fueron las pinturas sobre roca
realizadas en épocas pre-históricas,petroglifos tales
como los que se observan en Bhimbetka,
algunos de ellos se remontan a antes del 5500 a C. Tales obras continuaron en
el tiempo por varios milenios, luego en el siglo VII los pilares tallados de Ellora,
en el estado de Maharashtra es
un muy buen ejemplo de pintura de la India, sus colores, principalmente tonos
de rojo y naranja, se consiguieron a partir de pigmentos minerales. Algo posteriores
son los frescos de las cuevas de Ajanta y Cueva de Ellora.
Además, la literatura budista de la India posee una gran abundancia
de textos que describen que los palacios de reyes y de las clases
aristocráticas estaban decorados con pinturas, pero lamentablemente los mismos
no han sobrevivido hasta nuestros días. Pero, basados en esta evidencia se
piensa que alguna forma de arte era practicada por estas épocas.
Las pinturas de la India poseen un continuo estético que se
extiende desde las primeras civilizaciones hasta nuestros días. En sus
comienzos su naturaleza era esencialmente religiosa, pero luego la pintura de
la India evolucionó a través de los años para convertirse en una fusión de
varias culturas y tradiciones. La pintura de la India ha estado expuesta a
influencias greco-romanas, iraníes y chinas. Las pinturas en cavernas que se
observan en distintas partes de la India son un testimonio de estas influencias
y la evolución continua de nuevos idiomas pictóricos es evidente.
PINTURA INDIA SADANGA
Hacia el siglo I a.C.
evolucionaron las pinturas indias Sadanga o Seis Miembros, en una serie de
cánones que fijaron los principios principales del arte. Vatsyayana, que vivió
durante el siglo III, las enumera en su Kamasutra habiéndolas
tomado a su vez de obras más antiguas.
Estos 'Seis Miembros' han sido
traducido como:
1.
Rupabheda - El conocimiento de las apariencias.
2.
Pramanam - Percepción, medida y estructura.
3.
Bhava - Acción de los sentimientos en las formas.
4.
Lavanya Yojanam - Infusión de gracia, representación artística.
5.
Sadrisyam - Similitud.
6.
Varnikabhanga - Forma artística de utilizar el pincel y los colores. (Tagore.)
El desarrollo subsecuente de la
pintura por parte de los budistas indica que los ' Seis Miembros ' fueron
puestos en práctica por los artistas Indios, y son los principios básicos sobre
los cuales se construyó el arte.
GENEROS DE LA PINTURA INDIA
La pintura de la India puede ser
clasificada a grandes rasgos en murales y miniaturas. Los murales son grandes
obras ejecutadas sobre muros de estructuras sólidas, tales como en las cavernas
de Ajanta t el templo de Kailashnath. Las
pinturas miniaturas son producidas en una escala muy pequeña sobre material
perecedero tal como papel o tela. Los Palas de Bengala fueron los pioneros en el arte de las
miniaturas en la India. El arte de la pintura miniatura alcanzó su apogéo
durante el período Mughal. La tradición de las pinturas miniaturas fue
continuada y desarrollada por los pintores de diversas escuelas de Rajasthani
tales como Bundi, Kishangarh, Jaipur, Marwar y Mewar. Las pinturas de Ragamala
también pertenecen a esta escuela.
El arte indio moderno ha presenciado el crecimiento de la Escuela
de Arte de Bengala en la década de 1930 continuando con numerosas formas de
experimentación con estilos europeos e indios. Luego de la independencia de la
India, se desarrollaron numerosos nuevos géneros de arte de la mano de artistas
importantes como Jamini Roy, MF Husain, FN Souza, y Gaitonde. Con el progreso
de la economia las formas y estilos de arte también pasaron por muchos cambios.
En la década de 1990, la economía India fue liberalizada y se integró a la
economía mundial lo que condujo a un flujo amplio de información cultural hacia
y desde la India. En este período emergió el pseudorealismo como un nuevo género de arte
contemporaneo indio.
CHINA
La pintura china clásica se denomina, en chino: 中国画 zhōngguó huà, pintura
china, o 国画 guó huà, pintura
del país, en oposición a la pintura china de inspiración occidental aparecida
en el siglo XIX. Se puede considerar como una rama
autónoma de la caligrafía china de la que partió, fundada sobre los cuatro tesoros de la escritura:
(pinceles, tinta, tintero y papel), pinceles chinos, barrita para la tinta,
piedra de tinta (para moler la piedra de tinta y mezclarla con agua) y el papel
de arroz.
La pintura china clásica está constituida por un conjunto de
estilos típicos del Extremo Oriente que tienen su origen en las técnicas
pictóricas que se pueden encontrar en la pintura de Corea y Japón..
CLASIFICACION DE LA PINTURACHINA
Según el contenido
§ pinturas
de paisajes (山水画 shān shuǐ huà)
§ retratos (人物画 rén wù
huà)
§ animagel
Según la
técnica
§ Pintura
con atención fina al detalle （工笔 Gong Bi）
§ Pintura de
pincelada rápida （写意 Xié Yì）
§ Pintura
con tinta china negra （水墨 Shui Mo）
HISTORIA DE LA PINTURA CHINA
La pintura china clásica aparece
en torno al siglo III a.C., pero no sería hasta el siglo I a.C. cuando la
técnica se plasmara sobre papel, a partir del desarrollo de la caligrafía china
y el papel de arroz.
La pintura de paisajes constituye el género más “noble” de la
pintura china clásica, a través de ella se transmiten las concepciones micro- y
macro-cósmicas chinas del universo. No es un arte figurativo que se haya
modelado después, sino el resultado del sentimiento experimentado por el pintor
que, tras la contemplación del paisaje, lo plasma en la pintura.
En el caso de la pintura de paisajes “montaña y agua”, la armonía
de los elementos yin - yang,
el juego de las condiciones atmosféricas, de los estratos geológicos, de las
texturas informes en blanco y negro tienen, como fundamento, una apropiación
expresionista de la naturaleza muy alejada de la mimesis o imitación exacta, como sucede con la
estética occidental.
La concepción confucionista del mundo se refleja, asimismo, en la
pintura de paisajes en los que las figuras o las construcciones humanas
aparecen de forma muy reducida, situadas en un marco cosmológico completo.
Únicamente en las pinturas cuyo objeto central son los vegetales,
los animales, o los seres humanos se introduce el color en la pintura: el tema
de los letrados meditando o reunidos (por ejemplo los Siete sabios en un bosque de bambú),
o de santos, son los temas particulares de estas pinturas. Algunos pintores se
especializaron en un tema concreto: caballos, (徐悲鸿 Xu Beihong), bambús, incluso gambas.
Fue mucho más tarde cuando los poemas o epitafios se añadieron
directamente sobre las pinturas, especialmente en los paisajes. Las obras más
célebres se caracterizan, asimismo, por el número de sellos en tinta roja que
designa la lista de los emperadores que se encontraba en la colección
imperial, la mayor parte de ellos están, actualmente, en el Museo
Nacional de Taipéi (Taiwán),
tras el exilio del partido Kuomintang.
La representación del espacio en la pintura china,, que rechaza la
perpectiva del punto de fuga, ha adoptado, en algunas ocasiones, y en los
últimos siglos, las representaciones del espacio trigonométrico, especialmente
cuando se trata de pintar pueblos o ciudades.
Pintores (古代 GǔDài)
§ Zhāng Zé Duān Sòng Huī Zōng 张择端宋徽宗
§ Táng Bó Hǔ 唐伯虎（Dinastía Ming, 明代 míng dài）
§ Sòng Huī Zōng 宋徽宗（Dinastía Song, 宋代 sòng dài）
§ Zhū Dā 朱耷, conocido como Bā Dà Shān Rén 八大山人（Dinastía Ming, 明代 míng dài）
§ Chóu Yīng 仇英（Dinastía Ming, 明代 Míng Dài）
§ Ní Zàn 倪瓒（Dinastía Yuan, 元代 Yuán Dài）
§ Shitao 石濤 (Dinastía Qing)
§ Qí Bái Shí 齐白石'
§ Xú Bēi Hóng 徐悲鸿'
§ Zhāng Dà Qiān 张大千
§ Yú Fēi Àn 于非闇
§ Fù Bào Dàn 傅抱石
§ Lí Xióngcái 黎 雄才
§ Lu Yanshao 陆俨少
§ Lin Feng Mian
§ Wang MeiFang王美芳
§ Wang Shiyan 王时焰
§ Qu Qianmei 瞿倩梅
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